10 álbumes de rock clásico que se arruinan por una mala producción

La buena producción es la mitad de la batalla para que cualquier álbum clásico despegue. A lo largo de la historia del rock, algunas de las canciones más famosas de la historia han sido elogiadas por su gran producción, desde una mezcla impecable hasta sonidos que parecen venir de otro planeta. Por otra parte, para artistas como Metallica y The Velvet Underground, la gran producción tiende a ser solo una sugerencia cuando se crea un futuro clásico.

Aunque las canciones de cada disco clásico podrían resistir el paso del tiempo, la producción podría haber necesitado más que algunos ajustes, desde una mezcla de mala calidad hasta un equilibrio horrible de los niveles. A pesar de tener a su disposición algunos de los mejores en el negocio, una selección de las obras más célebres de los mejores de la música rock tiende a tener una producción que suena como si los instrumentos se hubieran grabado debajo de una almohada o en el fondo del océano.

Sin embargo, hay más de una manera de tener una producción terrible y, a veces, los mejores álbumes de todos los tiempos tienen algunas opciones de producción cuestionables en la dirección opuesta. A pesar de que las canciones todavía pueden estar allí, la sobreproducción de las canciones podría funcionar en su detrimento, haciendo que las guitarras suenen demasiado limpias o que el cantante suene como un robot en lugar de un ser humano.

Mientras que la mayoría de los artistas pueden hacer brillar sus mejores canciones a través de una producción terrible, estos clásicos se enfrentaron a una batalla cuesta arriba cuando asaltaron violentamente los tímpanos de sus oyentes. A pesar de todo el material de calidad en la mezcla, es posible que algunos fanáticos del rock deseen proceder con precaución al sumergirse en estos registros.

Cada faceta del metal tuvo que cambiar en un centavo en el momento en que comenzaron los años 80. Aunque miles de artistas se estaban beneficiando del éxito de MTV, había muchos artistas heredados que luchaban por descubrir cuál sería la próxima fase de sus carreras. parecerse a. Si bien Ozzy Osbourne pudo haber iniciado la próxima generación de metal con algo de flash, Judas Priest tuvo un período de ajuste un poco difícil en Turbo.

Originalmente pensado como un álbum doble, Turbo sucumbe a uno de los trabajos de grabación más vulgares de mediados de los 80, con guitarras que se acercan más a lo que hacían los sintetizadores en ese momento, dejando que los solos característicos de Glenn Tipton suenen sorpresivamente apagados. Incluso con el impresionante canturreo de Rob Halford en canciones como 'Turbo Lover', la mayoría de las pistas tienden a sonar como si fueran una imitación barata de una consola de Nintendo, con Judas Priest sirviendo como los rudos vestidos de metal.

A pesar de las canciones decentes en todo momento, Turbo sigue siendo más una reliquia de su tiempo que algo demasiado especial, y los malos se corrigen severamente antes de volver aún más fuertes en los años 90 en Painkiller. Es posible que la nueva ola de heavy metal británico haya hundido sus dientes en el formato de video musical, pero Turbo es el tipo de cursi que solo se mantiene fresco durante los primeros 30 segundos que comienza a reproducirse.

El éxito a veces puede ser tan desconcertante como el fracaso. Aunque Aerosmith había sido celebrado como un pilar del rock and roll de la vieja escuela, no fue sino hasta los años 90 que lograron su primer éxito número uno, con 'I Don't Want to Miss a Thing' convirtiéndose en un elemento básico de la épica Armagedón de Michael Bay. Una vez que estuvieron en la cima, 'The Bad Boys From Boston' sintió que el siguiente paso lógico era hacer lo mismo otra vez... solo que más amapola.

Como si las cuerdas almibaradas de su gran éxito no fueran lo suficientemente indicativas de finales de los 90, Just Push Play marcó el comienzo de Y2K de la manera más estereotipada posible, con todo alimentado a través de la lente moderna del pop. Aunque Joe Perry tiene algunos licks sabrosos salpicados a lo largo del disco, casi quedan anulados por la producción insulsa, que suena como si Steven Tyler quisiera desesperadamente convertirse en el equivalente masculino de Christina Aguilera.

Fuera del exitoso sencillo 'Jaded', el resto del álbum tiende a parecer que están tratando de rehacer el éxito de 'Miss a Thing' sin una gran película adjunta, lo que lo convierte en un montón de forraje de banda sonora que nunca fue se reproducirá de fondo en cualquier película de acción de la década de 2000. La mayor parte del legado de Aerosmith ya estaba intacto, pero su introducción al nuevo milenio hizo que algunos fanáticos del hard rock se preguntaran dónde salió todo mal.

Ningún disco de punk rock ha sido necesariamente conocido por sus valores de producción prístinos. Cualquier escucha superficial de álbumes de Black Flag o Sex Pistols le hará saber a la audiencia que ninguno de estos jugadores buscaba ser el próximo Pavarotti. Aunque Ramones pudo haber iniciado todo el género en su día con su debut, eso también significó que heredaron algunos de los rasgos negativos del género.

Si bien la mayoría de sus primeras canciones proporcionaron la prueba de fuego de lo que sería el punk rock, también presenta algunas de las producciones más fragmentadas de todos los tiempos, con todos los instrumentos en un solo canal que deja a los oyentes modernos desorientados. Aunque esta táctica puede haber funcionado bien en la era del vinilo, toda la experiencia de audio se arruina cuando alguien se quita un auricular, con el bajo y las guitarras desplazados hacia un lado y la voz justo en el centro.

Por otra parte, las canciones detrás de la producción podrían ser algunas de las mejores canciones de punk rock jamás hechas, dando un giro más alegre a temas tan macabros como golpear a los mocosos y tener un intenso deseo de inhalar un poco de pegamento. Cuando las bandas tienen un presupuesto de punk rock, tienen que trabajar con lo que tienen, pero incluso algunos de estos detalles podrían haberse pasado por alto un poco más.

Se siente una blasfemia poner las palabras "mala producción" y "Steely Dan" en la misma oración. Desde el momento en que comenzó el grupo, Walter Becker y Donald Fagen siempre imaginaron al grupo como una creación de estudio, siempre trabajando con los mejores en el negocio para crear viñetas sónicas puras en cada álbum. Eso es esencialmente lo que está disponible en Katy Lied... pero el proceso de mezcla hizo las cosas un poco más complicadas.

Aunque este disco es el hogar de algunos clásicos de Steely Dan, también se hizo en la época en que artistas de renombre usaban cierta tecnología de reducción de ruido. Dado que se sabía que daba a cada disco la calidad óptima, Becker y Fagen optaron por la nueva tecnología lo antes posible... solo para arruinar la mezcla inicial del disco.

Incluso después de algunos retoques y varios remixes a lo largo de los años, ambos miembros de The Dan se negaron a escuchar la mezcla original del álbum por lo inferior que era a lo que escuchaban en sus cabezas. Por otra parte, sus fallas aquí podrían haberlos preparado fácilmente para los triunfos posteriores en el futuro. Puede que Katy Lied no sea la experiencia auditiva más fluida de su catálogo, pero vale la pena llegar a algo como Aja más tarde.

Desde que dejó The Beatles, John Lennon tenía un poco de un albatros alrededor de su cuello. Después de tener que lidiar con la salida de uno de los grupos más grandes del mundo, Lennon se vio obligado a pagar un reclamo de derechos de autor que tenía por 'Come Together', prometiendo a los herederos de Chuck Berry grabar un puñado de versiones y las ganancias irían a él por copiando 'You Can't Catch Me'. En teoría, Rock & Roll debería haber sido un juego divertido, pero el 'fin de semana perdido' de Lennon tenía otros planes.

Grabado durante su período salvaje a mediados de los años 70, Lennon era conocido por tener un calendario loco para hacer el álbum, incluidas algunas veces en las que apareció en el estudio más que un poco ebrio. El ciclo de grabación tampoco fue tan fluido como se esperaba, con el autor intelectual del estudio Phil Spector disparando un arma en el estudio y saliendo con las cintas poco antes de que terminara el álbum.

Aunque el sonido de Lennon rindiendo tributo a sus héroes en canciones como 'Slippin and Slidin' es lo suficientemente divertido, la exagerada producción de Wall of Sound no se adapta a su voz destartalada, siendo una de las únicas cosas en la mezcla que agrega algún tipo de ventaja. volver a la música. Dado que Lennon era conocido como el espíritu experimental de The Beatles, es discordante verlo convertir algo que suena tan limpio como su producto final.

Bruce Springsteen siempre se ha beneficiado del poder perdurable de The E Street Band. A lo largo de su mandato como estrella de rock, 'The Boss' se ha basado en cada cuerda que resuena en su banda como su poder en el escenario, siempre siendo humilde al usar su ejército de músicos para hacer levitar cada espectáculo. Sin embargo, cuando decidió escribir la música más delicada de su carrera, Springsteen la dejó más desnuda que de costumbre en Nebraska.

Hecho sin la ayuda de ningún miembro de E Street, la mayoría de las tomas de este álbum provienen de cuando Springsteen estaba haciendo demostraciones de canciones en su edificio de apartamentos, generalmente usando solo una guitarra acústica y su voz. Aunque hay una cierta estética que proviene de la producción abismal, se vuelve difícil de escuchar en algunos lugares, con los aullidos de Springsteen recortando el micrófono y la guitarra desafinando en un puñado de canciones.

Sin embargo, esta es una de las pocas ocasiones en las que el valor de producción de mala calidad mejora la experiencia, y cada mezcla preliminar es el telón de fondo perfecto para héroes quebrantados en el lado equivocado de la ley o que atraviesan las luchas emocionales más duras de sus vidas como 'Johnny 99'. ' de 'Patrullero de Carreteras'. Springsteen tenía muchas cosas en mente cuando hizo Nebraska, y escuchar el disco en este formato es lo más cerca que los fanáticos estarán de su mente fracturada.

A finales de los 90, Rush había estado peligrosamente cerca de desaparecer por completo del ojo público. Después de que Neil Peart sufriera dos trágicos fallecimientos seguidos, el viaje de regreso nunca iba a ser fácil, por lo general lo tomaba a diario con sus compañeros de banda antes de volver a formar parte de Vapor Trails. Todo el disco se lee como una historia de redención... todo mientras suena como clavos en una pizarra.

Desde que salió el disco a principios de los 2000, Vapor Trails fue víctima de las guerras de volumen, con una de las producciones más penetrantes en un álbum de Rush. Aunque hay grandes composiciones entrelazadas a lo largo de la lista de canciones, el volumen inicial es demasiado contundente como para pasarlo por alto, con cada instrumento recortando el micrófono y haciendo que las sienes latan una vez que terminan el disco.

Rush también parecía sentir lo mismo con respecto a la producción de mala calidad, e incluso hizo que el remix del disco de 2013 fuera la versión definitiva, con la versión original de loudness-wars casi eliminada de la historia. El fan moderno de Rush ahora puede tener los medios para escuchar las canciones según lo previsto, pero los que estaban allí desde el principio tuvieron la desgracia de tener los oídos sangrando durante sus escuchas iniciales.

Ninguno de los materiales clásicos de The Velvet Underground puede presumir de tener la mejor producción. Ya en su enorme disco debut, algunos de los medios musicales más grandes del mundo estaban haciendo cola para criticar el extraño proyecto de arte de Lou Reed por ser la antítesis de lo que se suponía que era el rock and roll. Si pensaron que una canción como 'Heroin' carecía de una buena mezcla, White Light/White Heat es un dedo medio en esa línea de pensamiento.

Cuando la banda comenzó a trabajar en su segundo álbum, su lógica era enviar todos los instrumentos al rojo, lo que lo convirtió en una de las experiencias auditivas más cáusticas de finales de los 60. Aunque hay más de unos pocos momentos en el disco en los que The Velvets se aprovechan de su enorme muro de ruido como en 'Sister Ray', se trata de un período de ajuste extraño, especialmente cuando se trata de escuchar la historia corta que tiene lugar en la mitad de la canción 'The Gift'.

A pesar de que la estética puede haber sido un poco desarmante, las olas del punk rock estaban escuchando, con David Bowie amando el álbum y poniendo la canción principal en su lista de canciones de Ziggy Stardust durante años. Aunque The Velvet Underground hizo música destinada a superar los límites del rock and roll, este es el tipo de álbum que solo debe escucharse cuando se está de mal humor y se necesita algo abrasivo.

Cada álbum de los Beatles se ha beneficiado de tener algunas de las mejores producciones en el negocio. A pesar de que cada miembro de la banda era uno de los maestros de sus respectivos instrumentos, fue necesario que George Martin convirtiera sus canciones en clásicos, desde sus magistrales habilidades de arreglo hasta su forma de interpretar todas sus extrañas ideas. Después de que se disiparan las difamadas sesiones de The White Album, su forma de recuperarse hizo que la grabación fuera un desastre.

Después de abandonar el proyecto a la mitad para trabajar en Abbey Road, Let It Be se quedó en el estante durante años antes de ser pulido por Phil Spector, quien agregó algunas de las opciones de arreglos más innecesarias. Aunque el álbum hace que el oyente se sienta como una mosca en la pared durante las sesiones, la producción exagerada detrás de algo como 'The Long and Winding Road' fue demasiado, incluso molestó a Paul McCartney lo suficiente como para que remezclara el álbum nuevamente.

Mientras que algunas canciones se sienten como la versión idealizada de Spector de los Fab Four, otras canciones todavía se sienten medio cocidas en el mejor de los casos, como que Spector tenga que reproducir partes de 'I Me Mine' debido a su corta duración o que incluya extrañas pistas de tipo interludio donde la banda están trabajando pesadamente en atascos que no llegaron a ninguna parte. Es posible que a Spector le hayan dado un lío cuando recibió las cintas iniciales, pero su forma de salvar el producto era como tratar de poner un brillo brillante en algo destinado a ser crudo.

En el apogeo de su fama a finales de los 80, Metallica probablemente podría trabajar con cualquiera. Después de convertirse en una de las bandas de rock de arena más grandes sin siquiera un video a su nombre, la banda estaba lista para sacar provecho de Master of Puppets cuando el bajista Cliff Burton murió trágicamente en un accidente de autobús. Aunque cada miembro de la banda lidiaba con el dolor a su manera, la forma de arremeter en el disco era ni siquiera reconocer que había un chico nuevo en la banda.

A pesar de que la banda reclutó a Jason Newsted como su nuevo hombre detrás de la gama baja, su forma de novatarlo en su primer disco fue dejar su actuación tan abajo en la mezcla que nadie podía distinguirlo. Tratar de encontrar algún bajo en este álbum es prácticamente imposible, con la única pesadez decente proveniente de las cuerdas inferiores de la guitarra de James Hetfield.

Aunque la banda se mantendría firme en su decisión de no tener ningún bajo en los arreglos, las actuaciones son suficientes para hacer volar los pelos de punta, como el extraño compás en 'Blackened' o lo más parecido a un éxito en la canción 'One'. . Por otra parte, si James Hetfield afirma que necesitaban algún tipo de ayuda, tal vez era necesario el giro hacia una producción más limpia en The Black Album.